En la entrega de los Óscares estará en juego mucho más que la calidad de dos películas y de sus directores. Aunque son 10 las cintas nominadas este año, la verdadera contienda se reduce finalmente a Avatar, de James Cameron, y Zona de Miedo, de Kathryn Bigelow, (9 nominaciones cada una), con el drama añadido de que sus directores fueron alguna vez marido y mujer. De hecho la rivalidad entre estas dos producciones ha alcanzado la proporción de una pequeña guerra en sí misma.

Lo que veremos en la ceremonia será evidentemente la competencia entre dos portentos de la cinematografía mundial que además alguna vez se prometieron amor eterno, pero aún lo más importante lo que veremos —en la medida en que el cine realmente refleja el inconsciente colectivo de una sociedad— serán dos visiones opuestas sobre la guerra y sobre el papel de Estados Unidos como invasor o salvador de países y civilizaciones extrañas.
El impacto que estas películas han tenido en la discusión pública puede ser constatado en un artículo del influyente columnista David Brooks en el diario The New York Times. En su nota titulada “El Complejo de Mesías”, Brooks acusa a Cameron de exaltar la supremacía del hombre blanco de un país industrializado con tecnología de punta sobre sociedades primitivas. Su opinión resume en buena medida la recepción que le han dado en Estados Unidos los periodistas “serios” (no los cinematográficos) al supuesto mensaje oculto de Avatar.
Estas críticas resultan sorprendentes si tomamos en cuenta que el “héroe” de Avatar, no es el clásico hombre alto, fuerte, rubio de ojos azules de muchas otra películas, sino un minusválido veterano de guerra. Esa es la gran diferencia entre Avatar y otras de las cintas que cita Brooks (Pocahontas, en particular). Ostensiblemente el mensaje de Avatar es precisamente el contrario: son los nativos de Pandora quienes tienen que enseñarle a los brutos colonizadores como respetar el medio ambiente y vivir en armonía con la naturaleza. Si algo se le podría criticar a Cameron, en todo caso, es una cierta condescendencia al perpetuar el mito del “buen salvaje”.
En contraste, Zona de Miedo, la cinta que ha sido casi universalmente aclamada por los críticos estadounidenses, presenta a tres personajes que en una guerra real, en un país real, en un tiempo real (aunque ubicada en 2004), son fuertes, valientes y profesionales. Si éste es el gran filme que (como se ha dicho aquí) por fin le hace justicia al tema de Irak, habría que preguntarse qué clase de justicia. La justicia que conlleva una visión más heroica de Estados Unidos o la justicia de presentar un punto de vista específico sobre un conflicto específico.
La guerra de Irak ha sido el foco de varios filmes de variada calidad artística, pero uniforme rechazo entre el público. Las más destacables serían, tal vez, “Redacted”, de Brian de Palm e “In the Valley of Elah,” de Paul Haggis, ambas del 2007. En estos filmes el punto de vista es inconfundible. Zona de Miedo, por el contrario se precia de no tener un punto de vista. Tanto Bigelow como Mark Boal, el productor y guionista de Zona de Miedo, han declarado que su filme es apolítico.
Pero evitar un debate o establecer una posición específica sobre un tema tan controversial como la guerra en Irak, es una postura política en sí misma. En todo caso, no asumir el mensaje que inevitablemente se transmitirá con el filme, es irresponsable. El punto de vista que se privilegia es muy específico y tiene características muy específicas y ahí es donde está el mensaje. El filme se centra en un equipo de soldados estadounidenses expertos en desactivar bombas que están en Irak para proteger de sus estallidos a la población civil. Bombas que además fueron puestas por los mismos iraquíes. Estos valientes soldados estadounidenses están arriesgando sus vidas para salvar las de otros. Otros que solo aparecen en el filme como figuras amenazantes, fantasmagóricas, al acecho. Las tomas que presentan el punto de vista de los iraquíes siempre son desde arriba, lo cual implica una posición de poder y de desventaja para los soldados que siempre se muestran expuestos en la línea de fuego donde en cualquier momento pueden ser atacados. Ignorar el contexto, presentar solo una visión parcial de lo que está ocurriendo, es distorsionar, y por lo mismo —se acepte o no— es tener una postura política. También se peca por omisión.
Los extraterrestres azules de Avatar tienen más humanidad que los iraquíes de Zona de Miedo. Si en lugar de Irak, Bigelow hubiera escogido Pandora como escenario, su cinta podría ser juzgada sólo por lo que es, una magnífica cinta de acción con muchos elementos de fantasía. Sin embargo, Bigelow y sus productores se han empeñado en presentarla como casi un documental que retrata la realidad cómo la viven los soldados estadounidenses en Irak.
Por si quedara la menor duda de que las cosas no son tan emocionantes como las presenta Zona de Miedo, verdaderos veteranos de Irak se han encargado de desmentir el supuesto realismo de la cinta. En especial, la posibilidad de que el protagonista (un magnífico Jeremy Renner) pudiera realizar con ese equipo y en esas condiciones las espectaculares hazañas que logra en el filme.
Por otra parte, Avatar es sólo ciencia ficción, pero su héroe se parece más a la realidad que Estados Unidos está viviendo ahora con los miles de veteranos de guerra que regresan desilusionados, mutilados, despojados de su dignidad y facultades que los super machos de Zona de Miedo. Es por esto que tal vez no debería sorprendernos que Estados Unidos haya abrazado por diferentes razones a estas dos películas. Finalmente ambas presentan opciones preferibles de “realidad”: una heroica en Zona de Miedo y una fantasía ecológica en Avatar. Después de todo, el personaje real de Avatar prefiere quedarse con su piel azul en Pandora que regresar a este mundo. Y ¿quién lo culparía?

Nicolas Chartier, uno de los productores de Avatar fue descubierto enviando un e-mail a los miembros de la Academia urgiéndolos a que votaran por Zona de Miedo, y no por otra superproducción (que aunque no mencionó con nombre podemos imaginarlos a cual se refiere) plagada de efectos especiales.

Este año, la cada vez más previsible ceremonia de los Óscares tendrá ciertos elementos diferentes. Por un lado, el hecho de que hayan expandido la categoría de Mejor película a diez y no cinco como se acostumbra. Por el otro, algo aún más interesante: en la categoría de Mejor director compite una pareja de ex esposos. Sí, James Cameron, de Avatar, y Kathryn Bigelow, de The Hurt Locker, alguna vez se juraron amor eterno.
Y hablando de ritos, otro que resulta ineludible en estas fechas, es el de las predicciones. Aquí están las nuestras en las principales categorías:

Película (productores)

De las 10 nominadas hay solo 5 (cuando mucho) que tienen posibilidades reales de ganar. La verdadera competencia se reduce a Avatar y The Hurt Locker (cada una con 9 nominaciones), pero dado que hay mucha división en las preferencias, un voto partido podría favorecer a Bastardos sin Gloria (la mejor, en mi opinión). Es de esperarse que los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood se sientan inclinados a premiar a Avatar, una película que le ha reportado más de dos billones de dólares a la industria. Además, la tecnología de Avatar hace resurgir la esperanza de que el cine se tenga que volver a ver en las salas de cine. Mucha gente se había acostumbrado a ver las películas en DVD y eso no es el negocio de Hollywood. Para experimentar una cinta como Avatar hay que ir al cine. Lo único malo que tiene Avatar en su contra (y es muy malo), es que son contadas las películas que han ganado el Oscar sin que estuviera su guión por lo menos, nominado. Tal vez el castigo en ese sentido venga en la categoría de director que se le entregaría por primera vez a una mujer.

Va a ganar: Avatar (2009): James Cameron, Jon Landau

Podría ganar: The Hurt Locker (2008): Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier, Greg Shapiro

Debería ganar: Bastardos sin Gloria (2009): Lawrence Bender

Director

Si los miembros de la Academia se deciden a darle el Oscar a Avatar por Mejor película a pesar de que el guión ni siquiera está nominado, se tendrían que redimir negando el Oscar a Mejor director. Así, Kathryn Bigelow tiene grandes posibilidades de convertirse en la primera mujer en ganar un Oscar por Mejor dirección. Curiosamente la primera mujer nominada fue la italiana Lina Wertmüller, quien en 1975 consiguió ese honor con Seven Beauties, una cinta también de guerra.

Va a ganar: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker (2008)

Podría ganar: James Cameron por Avatar (2009)

Debería ganar: Quentin Tarantino por Bastardos sin Gloria (2009)

Actor

Va a ganar: Jeff Bridges por Crazy Heart (2009)

Podría ganar: Jeremy Renner por The Hurt Locker (2008)

Debería ganar: Colin Firth por A Single Man (2009)

Actriz

Va a ganar: Sandra Bullock por The Blind Side (2009)

Podría ganar: Meryl Streep por Julie & Julia (2009)

Debería ganar: Helen Mirren por The Last Station (2009)

Actor secundario

Va a ganar: Christoph Waltz por Bastardos sin Gloria (2009)

Podría ganar: Christoph Waltz por Bastardos sin Gloria (2009)

Debería ganar: Christoph Waltz por Bastardos sin Gloria (2009)

Actriz secundaria

Va a ganar: Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire (2009)

Podría ganar: Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire (2009)

Debería ganar: Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire (2009)

Mejor guión original

Va a ganar: Bastardos sin Gloria (2009): Quentin Tarantino

Podría ganar: The Hurt Locker (2008): Mark Boal

Debería ganar: Un Hombre Serio (2009): Joel Coen, Ethan Coen

Mejor guión adaptado

Va a ganar: Up in the Air (2009/I): Jason Reitman, Sheldon Turner

Podría ganar: Precious: Based on the Novel Push by Sapphire (2009): Geoffrey Fletcher

Debería ganar: Enseñanza de Vida (2009): Nick Hornby

Mejor película de habla no inglesa

Va a ganar: Un Prophète (2009) (Francia)

Podría ganar: El secreto de sus ojos (2009) (Argentina)

Debería ganar: Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte (2009) (Germany)

Edición

Va a ganar: The Hurt Locker (2008): Bob Murawski, Chris Innis

Podría ganar: The Hurt Locker (2008): Bob Murawski, Chris Innis

Debería ganar: The Hurt Locker (2008): Bob Murawski, Chris Innis

Fotografía

Va a ganar: Avatar (2009): Mauro Fiore

Podría ganar: The Hurt Locker (2008): Barry Ackroyd

Vestuario

Va a ganar: The Young Victoria (2009): Sandy Powell

Podría ganar: Bright Star (2009): Janet Patterson

Efectos especiales

Va a ganar: Avatar (2009): Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham, Andy Jones

Podría ganar: Avatar (2009): Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham, Andy Jones

Debería ganar: Avatar (2009): Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham, Andy Jones

Película de animación

Va a ganar: Up (2009): Pete Docter

Podría ganar: Up (2009): Pete Docter

Debería ganar: Up (2009): Pete Docter

Un personaje que se parece demasiado a Tony Blair y un estilo que se parece demasiado a Hitchcock. En lugar de que sean sus desventajas, éstas terminan siendo las ventajas de la cinta dirigida por el polaco Roman Polanski.
“Being framed”, la expresión en inglés que se utiliza para decir que alguien ha caído en una trampa, connota a la vez la idea de enmarcar, montar una escena. Nada mejor que el cine para ilustrar este concepto y nadie mejor que un gran director para sacarle provecho. En la cinta The Ghost Writer, Polanski “atrapa” en sus encuadres al personaje principal que está siendo engañado. La amenaza flota en el aire y está en la presencia del mar que rodea la isla donde sucede la acción, pero también en la casa que habita; en las líneas simétricas de su arquitectura, en los tonos grises y fríos de sus formas y en la decoración misma: todo contribuye a crear un ambiente inhóspito, fantasmagórico.
Basada en el libro The Ghost, del escritor inglés Robert Harris, la trama gira en torno al ex Primer Ministro británico Adam Lang (Pierce Brosnan), quien quiere publicar sus memorias. Un escritor especializado en escribir de incógnito para celebridades y estrellas de rock (Ewan McGregor), es elegido por los agentes estadounidenses de Lang para ayudarlo a completarlas. Una curiosa elección puesto que el escritor (que no tiene nombre oficial; todos se refieren a él como “el fantasma”) no sabe nada de política. Además su predecesor murió en circunstancias sospechosas. Sin embargo, el sueldo es demasiado jugoso como para rechazarlo.
Al igual que el escritor anterior, McGregor tiene que prometer absoluta confidencialidad y aceptar mudarse por un mes a la isla en Cape Cod, donde Lang está recluido para escribir sin interrupciones. En la casa, que parece una fortaleza por su extraordinaria seguridad, acompaña a Lang un grupo muy singular. Están los misteriosos sirvientes asiáticos, la esposa histérica (Olivia Williams), y su asistente —y amante (Kim Cattrall). Todo en el ambiente apunta a que hay un secreto terrible que McGregor se empeña en descubrir; primero por mera curiosidad y después porque su propia vida se ve amenazada.
Además de lidiar con su difícil situación familiar y el proyecto de su libro, Lang se ve enfrentado de repente con acusaciones de crímenes de guerra. El personaje de Lang esta obviamente basado en Tony Blair, a quien en Inglaterra se le acusaba de comportarse como el perrito faldero de George W. Bush. De hecho, la aversión de Harris por Blair es conocida y un crítico apodó su libro The Blair Snitch Project.
Pero esta película no está diseñada para dar tanto miedo como sugerir que algo “wicked this way comes”. La alusión a Macbeth no es ociosa. Polanski dirigió una versión cinematográfica de la obra de Shakespeare en 1971 y su similitud con Ghost Writer puede ser corroborada durante el desenlace de la trama.
Además, Polanski se divierte jugando con las convenciones del género; el thriller político, pero sobre todo del gótico inglés al que le da la vuelta cambiando la mansión embrujada por una modernísima casa y el misterioso dueño por un político corrupto y mujeriego. Aunque el material en el que está basado no está a la altura de la profundidad psicológica y existencial de la que es capaz Polanski, el director lo eleva con el tratamiento que le da, el estilo, la atmosfera de la misma forma en que Alfred Hitchcock lo hizo con varios proyectos.
Resulta paradójico que Polanski, quien siempre ha sido un maestro para escudriñar la tensión sicológica de personajes en situaciones límite, puede ahora añadir también la dimensión personal de la experiencia que ha vivido como prisionero en su propia casa. Polanski se encuentra bajo arresto domiciliario en Suiza debido a que tiene una orden de aprensión pendiente desde hace más de 30 años en Estados Unidos por tener sexo con una menor en 1977. No importa que la muchacha que es ahora una mujer, lo haya perdonado. De hecho como Polanski no podía viajar fuera de ciertas jurisdicciones, tuvo que filmar en Berlín como si fuera Londres y en la isla de Sylt en el Mar del Norte en sustitución de Martha’s Vineyard. De hecho como Polanski no podía viajar fuera de ciertas jurisdicciones, tuvo que filmar en Berlín como si fuera Londres y en la isla de Sylt en el Mar del Norte en sustitución de Martha’s Vineyard.
Esta no es la primera vez que la ley en Estados Unidos persigue implacablemente al director. Después de que su esposa fue brutalmente asesinada en 1969 por la pandilla de Charles Mason (con ocho meses de embarazo), las autoridades estadounidenses lo señalaron como el principal sospechoso. Pero, como hemos visto en otros casos (el Presidente Barack Obama, por ejemplo), Europa le da a ciertos hombres el lugar que aquí se les niega. En el pasado Festival de Cine de Berlín, Polanski fue reconocido con un Oso de Plata como mejor director por Ghost Writer. Después de todo, quién mejor que él para saber lo que se siente estar atrapado.

Para quienes buscamos respuestas en el cine, “Un Hombre Serio” parecería una broma cruel, pero tal vez la película de los hermanos Coen nos ofrece el único verdadero confort que se puede sacar de una buena obra de arte: saber que no estamos solos, que nuestras angustias existenciales son compartidas por otros.
La cinta tiene una trama sencilla en apariencia, pero su planteamiento podría ser elevado a la parábola de Job, a una fabula judía y más universalmente a la Paradoja de la Voluntad de Hegel.
“Un Hombre serio” comienza con la cita de un rabino medieval francés que toma su consejo de la historia de Job: “Recibe con sencillez todo lo que te suceda”. Ubicada en Minnesota en 1967, “Un Hombre Serio” muestra, como tantas otras cintas y programas de televisión en boga (“Revolutionary Road”, “Mad Men”), el lado siniestro de los aparentemente tranquilos y felices suburbios de ese entonces. Con la diferencia de que la acción no se centra en una “típica” familia americana, sino en una judía.
Visualmente, la paleta tiene los colores estridentes asociados con la época, pero el paisaje moral es gris. El personaje principal, Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), es un profesor de física que confía en el orden de las matemáticas, pero lo que le funciona en el salón de clases no le sirve en la vida real donde sus infortunios son varios. La mujer, que tiene un amante, le pide el divorcio; un vecino abusivo quiere poner una cerca quitándole metros a su jardín; los hijos le roban dinero, y un largo etc. Cuando los límites de su propiedad, desde el terreno de su casa, su dinero y hasta su esposa, no están definidos y nadie parece respetarlos, su propia libertad está siendo coartada.
Según la Paradoja de la Voluntad de Hegel, la propiedad es la manifestación objetiva de nuestra libertad. Al ser desprovisto de ella, solo resta aspirar a una libertad más elevada que sería la de la vida ética. La moralidad es lo único que no se puede arrebatar y de la que se es totalmente dueño. El problema de la vida ética se resuelve cerrando el abismo entre nuestros deseos y la realidad creando explicaciones morales para reconciliarlos.
Parte de lo que ayuda a cerrar ese abismo son las respuestas comunales a esta frustración existencial. Los hábitos culturales son guías objetivas que contienen las intenciones morales de la vida ética. El problema es que Gopnik no encuentra los lineamientos que lo conduzcan a llevar la vida “buena”.
Como judío, Gopnik está al margen de la cultura en la que le tocó vivir, la conservadora de Estados Unidos, con sus reglas claras y moral estricta. Su marco de referencia (como se lo recuerda una amiga), debe ser la milenaria fuente de sabiduría del judaísmo.
Gopnik consulta a varios rabinos que utilizan elaboradas parábolas para confortarlo —parábolas que apuntan hacia una gran verdad, pero que terminan por no revelar nada. Gopnik no encuentra respuestas por ningún lado y termina como Job, aceptando pasivamente lo que le pasa.
Siguiendo con el paradigma de Hegel, la debilidad de la visión moral frente al mundo es tragedia. Y Gopnik es un hombre trágico. La cinta sugiere varias respuestas que están ahí para quien quiera encontrarlas, pero Gopnik no puede aplicar a su vida las claves que les da a sus alumnos. Por ejemplo, que aunque no entiendan el principio de incertidumbre, son responsables de sus resultados en el examen final.
Obviamente (tratándose de Ethan y Joel Coen), el tono es de humor negro y la propia película podría ser el ultimo chiste, una parábola sin sentido en la que no sólo se muestra una comunidad y un Dios indiferente al dolor, sino también un director y escritor indiferentes a las expectativas del público. Aunque la cinta se circunscribe a una visión del mundo explícitamente judía, rebasa sus propios límites y con extraordinaria sencillez refleja cuestiones existenciales profundas que nos son—o deberían ser— comunes a todos.

Aunque no se menciona —y es precisamente por eso que ha resultado tan controversial—, es inevitable hablar de la esclavitud para entrever que “Precious” también revela uno de los temas recurrentes en la literatura y el arte afroamericano: la construcción de identidad.
Si la comparamos con “Beloved”, la obra maestra de Toni Morrison, encontramos que la película “Precious” (basada en la novel “Push” de Saphire) actualiza la búsqueda que en Morrison apenas se estaba gestando. En “Beloved” la construcción del ser iba desde la búsqueda de un espacio físico habitable —la casa— y se extendía hasta los límites del propio cuerpo. En “Precious”, el cuerpo sigue siendo inhóspito, inhabitable.
“Beloved” está situada en 1873, en plena era de la llamada “Reconstrucción”: los años posteriores a la Guerra Civil. “Beloved” cuenta el drama de los esclavos liberados 10 años antes con el triunfo de los abolicionistas del norte. Aunque ya son físicamente libres, los personajes de “Beloved” muestran un precario sentido del ser y tienen que encontrar el espacio sicológico necesario para construirse una nueva identidad. Por primera vez les “pertenece” su cuerpo, pero no han encontrado su esencia para habitarlo. En palabras de Morrison: “Una cosa es ser liberado; reclamar la propiedad de ese ser libre, es otra cosa”. La idea de la novela es la construcción de una identidad que se distancie de la forjada por los opresores, quienes catalogaban a los negros como una especie sub humana, más cercana a los animales.
La trama de “Beloved” se centra en Sethe, una mujer que vive con su hija Denver de 18 años en una casa poseída por un fantasma. Es en esa misma casa donde años atrás, Sethe había asesinado a Beloved, su hija mayor que entonces tenía 2 años. Perseguida por los dueños de la plantación de donde había escapado, Sethe decide asesinar a la niña antes que permitir que sea nuevamente capturada. Morrison se basó en el caso real de Margaret Garner, quien se escapó de una plantación en Kentucky y prefirió “salvar” a su hija degollándola con un cuchillo antes que exponerla nuevamente a la destrucción gradual de la esclavitud. A pesar de que todos le recomiendan que se aleje de la casa, Sethe no puede, tanto como no puede abandonar su pasado y las consecuencias de sus actos. Tanto Seth como Denver están convencidas de que el espíritu que ronda en la casa es el de la niña asesinada. Pero el espíritu de Beloved también podría estar alojado en una muchacha que se aparece en la casa y que tiene la misma edad que tendría Beloved si estuviera viva. La muchacha, que se comporta como una niña malcriada, tiene limitadas capacidades lingüísticas, babea y tiraniza a Sethe con sus exigencias y gritos. En cualquiera de ambos casos, Sethe intuye que no tiene futuro a menos que acepte estos fantasmas que son dos versiones de su pasado: tan feas, aterradoras, llenas de odio como son, porque son suyas, le pertenecen y sobre esas bases tendrá que fundar una nueva identidad. La construcción de ese nuevo ser liberado depende de que se reconcilie y abrace los aspectos más terribles de esa alegoría de un pasado que solo pudo construir un ser a medias, deforme, malhecho, débil, iracundo.
¿Qué tanto la identidad que aún no tomaba cuerpo en “Beloved”, que sólo rondaba como un fantasma alegórico de un pasado horrible, se sigue reflejando en “Precious”? Ambas tienen esa cualidad informe, no formada, de un ser cuyo desarrollo ha sido truncado por el dolor. Pero, mientras que “Beloved” es sólo un fantasma vagando en otra dimensión, en “Precious” el cuerpo ya está presente en forma rotunda, como una masa amorfa que se arrastra bajo el peso de su infortunio, de su propia existencia. La fealdad de Precious es también metafórica. Precious está atrapada en su cuerpo por el que sólo se atisba una mirada. La única y quizá, gran diferencia, es que es el pasado lo que atrapa a Beloved, mientras que la desgracia de Precious está en el presente. La adolescente analfabeta, obesa, enojada, tiene también que reconciliarse con su cuerpo y abrazarlo, aprender a habitar un espacio que no le ha pertenecido. Su cuerpo nunca ha sido suyo, sometido desde siempre al abuso sexual del padre y a los golpes físicos de la madre. Pero ¿qué tanto la imagen individual de Precious no refleja también la identidad colectiva que sigue arrastrando la internalización de esa vision fea, distorsionada que inventó el opresor? La nación afroamericana en ciernes podría situarse psicológicamente en la etapa del “espejo”, en el paradigma de Jacques Lacan. Según este, antes de cumplir los tres años los niños no pueden reconocer su propia imagen y construyen su identidad en base a la reacción de otros a ellos. Lo que tanto “Beloved” como “Precious” reflejan es que la esclavitud no terminó con la guerra en 1863 y tampoco con la desegregación más de 100 años después. Esa era sólo la libertad concedida por los blancos. La verdadera liberación de la raza negra ahora solo depende de ellos. Y es en este sentido que podríamos identificar la distancia entre “Beloved” y “Precious”. Lo que ha despertado una gran controversia sobre esta película —tan descarnada que a ratos es imposible verla— es que su director, el afroamericano Lee Daniels tuvo el atrevimiento de mostrar la terrible realidad de estos personajes en un contexto donde jamás se menciona la palabra “blanco”, donde jamás se habla de la esclavitud, donde jamás se habla del pasado de victimización. Los villanos no son otros que los mismos afroamericanos. Precious no es víctima de nadie más que de su propia gente y decir esto en un país donde el tema racial, el recuerdo de la segregación que existía todavía en los años 60, es profundamente provocador. Pero la verdadera transgresión de “Precious” es presentar a la figura de la madre como opresora. Otras novelas habían levantado polémicas por el retrato de los hombres negros (“El Color Purpura” de Alice Walker, por ejemplo), pero nunca de las mujeres y mucho menos de las madres.

****Ver nota del NY Times del viernes 2 de febrero****

Finalmente lo que Daniels sugiere es que la “liberación” de la nación afroamericana ya está sólo en sus propias manos.

Al momento de leer estas líneas, usted ya sabrá todo lo que hay que saber sobre la película “Precious”. Que la estelariza Gabourey “Gabby” Sidibe, una absoluta desconocida sin experiencia en la actuación; que cuando se presentó por primera vez, nadie quería distribuirla debido a la sordidez de su tema hasta que Oprah Winfrey se convirtió en la productora ejecutiva; que Mo’ Nique ganó el Globo de Oro como mejor actriz dramática; y un largo etcétera. Pero, más allá de eso, ¿es “Precious” una buena película?
Es difícil responder a esa pregunta. En términos estrictamente cinematográficos, deja mucho que desear. En términos del debate y el revuelo que ha provocado, es excelente puesto que nos muestra en una forma descarnada la terrible realidad que pueden padecer aún en nuestros días los miembros de la raza negra. “Precious” toca un nervio muy sensible en la sociedad estadounidense y esto es siempre interesante de observar como artefacto cultural. Tal vez, en resumen, podríamos decir que “Precious” no es tan buena como importante. Por qué? Porque trata un tema que ha sido tabú por muchos años y que ha causado mucho malestar entre la comunidad afroamericana. Tal vez su director Lee Daniels decidió que era un buen momento para abordarlo porque el miedo a crear una mala impresión, o perpetuar los estereotipos negativos sobre los afroamericanos, es contrarrestado por el simple hecho de que el ocupante de la Casa Blanca es de raza negra y porque Oprah Winfrey, la personalidad más poderosa en los medios de comunicación, es también de raza negra. Así que de haberlo, éste sería el mejor momento para tratar un tema tan espinoso como el de Precious. La traducción de precious, sería preciosa, pero la palabra connota algo que tiene mucho valor, que es inapreciable, o que nos es precioso. El tema de la cinta es muy fuerte. “Precious” trata sobre una adolescente que vive en el barrio de Harlem, en Nueva York. Claireece “Precious” Jones es analfabeta, obesa y está embarazada de su segundo hijo producto del abuso sexual al que ha sido sometida desde niña por su propio padre. Además, su primera hija padece del síndrome de Down. Para completar el cuadro de infierno absoluto, la madre de Precious (Mo’Nique) es una sádica que se pasa el día viendo la tele y comiendo y somete a su hija a los peores abusos sicológicos y físicos imaginables. En fin, que no hay una sola luz de esperanza en la vida de la pobre muchacha. Pero Precious tiene el don de la inteligencia y a pesar de que a sus 17 años todavía no puede leer bien, una maestra se da cuenta de su potencial y la inscribe en un programa donde le dan atención especializada a adolescentes con problemas. Lo que ha despertado una gran controversia sobre esta película tan descarnada que a ratos es imposible verla, es que su director, el afroamericano Daniels, tuvo el atrevimiento de mostrar la terrible realidad de estos personajes en un contexto donde jamás se menciona la palabra “blanco”, donde jamás se habla de la esclavitud, donde jamás se habla del pasado de victimización. Los villanos no son otros que los mismos afroamericanos. Precious no es víctima de nadie más que de su propia gente y decir esto en un país donde el tema racial, el recuerdo de la segregación que existía todavía en los años 50, es profundamente provocador y revolucionario. El tema de los afroamericanos tiene evidentemente muchos aspectos y sería imposible tratar de abarcarlos en una sola nota, pero uno de sus grandes temas, que también es uno de los grandes temas en la literatura afroamericana, es la madre. La maternidad heroica, pero también criminal. La maternidad que en algunos casos extremos llevó a su heroísmo a asesinar a sus propios hijos antes de permitir que siguieran siendo víctimas de la esclavitud. En el caso más sonado, Margaret Garner, asesinó a sus hijos en 1856 para evitar que fueran recapturados toda vez que se aprobó El Acta de los Esclavos Fugitivos en 1850. El caso fue llevado a la literatura magistralmente por Toni Morrison en su novela “Beloved” ganadora del premio Pulitzer. Con la diferencia de que Mary, la madre de Precious sería en el mejor de los casos una Medea moderna que asesina a sus hijos para vengarse del marido, y en el peor, simplemente un monstruo. Mary no solo permite el abuso sexual de su hija desde que tenía tres años, sino que después le recrimina que le quitara el amor de su hombre. Hay otro punto interesante que notar entre Precious y Beloved: la corporeidad. Es como si ninguna tuviera un cuerpo, una piel que puedan habitar sin complicaciones. En Beloved, es el drama de los esclavos liberados a los que por primera vez les “pertenece” su cuerpo, pero no han encontrado todavía el ser, su esencia, para poseerlo.
Lo que sí tiene Precious al igual que “Beloved”, es una cierta dimensión mágica. Es la imaginación de Precious la que la lleva a seguir adelante pese a todo. Beloved es solo un fantasma, pero ambas tienen esa cualidad uniforme, no formada, de un ser que ha sido distorsionado por el dolor. Precious está atrapada en su obeso cuerpo, una masa informe por la que solo se atisba una mirada. Beloved está también atrapada en otra dimensión. La única y quizá, gran diferencia, es que es el pasado lo que atrapa a Beloved, mientras que la desgracia de Precious está en el presente. En ese sentido, la cinta pone sobre la mesa un tema que desagrada mucho y que ha causado una gran división entre la comunidad afroamericana en Estados Unidos y es que ignora por completo la esclavitud y el abuso de los blancos. El asunto que plantea intrínsecamente es lo que muchos entre la misma comunidad afroamericana han propuesto (Bill Cosby, entre los más criticados por ello) y que es: Seguimos adelante y nos enfrentamos a nuestra realidad como es ahora, o seguimos atrapados en el pasado y culpando a los otros de lo que está mal en nuestras propias comunidades? Pero Daniels asegura que el tema de la novela “Push” de Saphire en la que se basa Precious, es universal y que está dirigida a todo aquel, sin importar la raza, que no hay podido descubrir lo inapreciable que somos todos los seres humanos.